프랑스 영화의 역사 1. 뤼미에르와 멜리에스(Les Lumiere et Georges Melies) 뤼미에르 형제(Les freres Lumiere)와 조르주 멜리에스(Georges Melies)에 의해 시작된 프랑스 영화는
다른 어느 나라보다도 가장 먼저 영화의 기반을 구축할 수 있었다. 즉, 미국의 토마스 에디슨(Thomas Edison)이 1891년
'키네토스코프'(Kinetoscope)를 발명한 시기를 전후하여 '시네마토그라프'(Cinematographe)를 발명한 뤼미에르
형제는 1895년 《리옹의 뤼미에르공장 출구》(Sortie des usines Lumiere) 《열차 도착》(Arrivee de
congressistes a Neuville-sur-Saone) 등 여러 편의 작품을 발표하였고, 멜리에스는 《로베르 우댕극장에서의
한 부인의 증발》(L'Escamotage d'une dame chez Robert Houdin)(1896) 《달나라 여행》(Le
voyage dans la lune)(1902) 등 트릭을 사용한 공상적인 영화를 만들어 구경거리로서의 영화 흥행에 성공을 거두었다.
2. 파테와 고몽 그리고 필름 다르(Pathe, Gaumont et Film d'art)
3. 포토제니(photogenie) 1917년 루이 델뤼크는 포토제니(photogenie)이론을 제창하면서 '포토(사진)'와 '제니[정령]'의 통합을 주장, 영화는 빛과 그림자에 의한 오케스트레이션, 곧 시각에 호소하는 음악이 내적인 생명을 불러일으킨다는 포토제니파를 형성하였다. 아벨 강스(Abel Gance)는 대표작 《철로가의 백장미》(La Roue)(1923)에서 기관차가 질주하는 속도를 역동적으로 컷 백하는 등 시각적 표현기법을 구사하였고, 《나폴레옹》(Napoleon)(1925)에서는 3면 스크린을 사용하여 대형영화를 지향하는 대작도 완성시켰다. 루이 델뤼크(Louis Delluc)도 《침묵》(Silence)(1920) 《광열》(Fievre)(1922)을 통해 자신이 주창한 이론을 구체화시켰으며, 여류감독 제르멘 뒬라크(Germaine Dulac)는 《에스파냐의 축제》(La Fete espagnole)(1919)를 발표하여 완전영화 또는 순수영화를 지향하면서 영상의 순수성을 추구하였다. 4. 전위 영화운동(L'avant-garde francaise) 1920년대의 시각주의는 문학이나 연극과도 또다른 영화의 독자적인 미학 추구였지만, 그와 동시에 회화나 문학에 있어서의 다다이슴(Dadaisme)이나 쉬르레알리슴(Surrealisme)의 영향을 받아 영화가 전위(avant-garde) 영화운동으로까지 발전하는 계기를 마련하였다. 무의식의 세계, 꿈이나 환상, 공포 등 내적인 비전을 표현하고 의식의 합리적인 측면을 대상화하는 쉬르레알리슴 영화는 르네 클레르의 《막간》(Entr'acte)(1924), 《이탈리아 맥고모자》(Un chapeau de paille d'Italie)(1928), 만 레이(Man Ray)의 《불가사리》(L'Etoile de mer)(1928), 루이스 부뉘엘(Luis Bunuel)과 살바도르 달리(Salvador Dali)의 《안달루시아의 개》(Un chien andalou)(1928) 등 많은 작품을 낳았다. 이와 같은 여러 가지 운동은 발성영화의 출현과 함께 쇠퇴하였으나, 그 전위적인 실험정신은 영화사에서 높이 평가되고 있다.
5. 시적 리얼리즘과 유성영화의 황금기(Le realisme poetique et l'age d'or du cinema parlant) 1930년대는 세계적인 경제 공황이 시작된 뒤, 독일에서는 나치스가 대두되어 마침내 제2차 세계대전이 발발하는 시대에 해당되며, 이 시기를 통해 영화 또한 드라마 속에 자기 의식을 투입해 갔다. 르네 클레르(Rene Clair)는 유성영화의 첫 작품 《파리의 지붕 밑》(Sous les toits de Paris)(1930)을 감독하였고, 이어서 《자유를 우리에게》(A nous la liberte)(1931) 《파리축제》(Quatorze Juillet)(1933) 《최후의 억만장자》(Le Dernier Milliardaire)(1934) 등 사회풍자극과 서민영화로 변모해갔다. 또한 이 시기를 통한 연극인 마르셀 파뇰(Marcel Pagnol)이나 사샤 기트리(Sacha Guitry) 등의 영화계 진출도 특기할 만한 일이다. 장 비고(Jean Vigo)는 시적 리얼리즘(Le realisme poetique)의 대표주자로서 《품행 영점》(Zero de conduite)(1933), 《아탈랑트》(L"Atalante)(1933)을 제작했다. 또한, 자크 페데르(Jacques Feyder)는 《외인부대》(1933) 《미모자관》(Pension Mimosas)(1934) 《여자만의 도시》(1935), 쥘리엥 뒤비비에는 《땅 끝까지 가다》(La Bandera)(1935) 《우리들의 친구》(La Belle Equipe)(1936) 《무도회의 수첩》(Un carnet de bal)(1938), 장 르누아르(Jean Renoir)는 《밑바닥 인생》(Les Bas-Fonds)(1936) 《위대한 환상》(La Grande Illusion)(1937) 《게임의 규칙》(La Regle du jeu)(1939) 등 수많은 걸작들을 만들어냈다. 이들 영화의 대부분의 시나리오를 샤를 스파크(Charles Spaak)가 썼다는 점도 30년대 프랑스 영화의 한 특징이다. 극적인 상황 설정 속에서 스토리가 진행된다는 이른바 <폐쇄된 시나리오>의 시대였으며, 그것은 카메라 이전의 시나리오 속에 현실을 옮겨 놓았다는 데에서 특색을 찾을 수 있다. 6. 이탈리아의 네오레알리스모(Neo-realisme italien) 30년대 말기에는 다시금 카메라에 의해 현실을 포착하려는 시도가 르느와르의 노력으로 이루어지고 있었다. 그것은 화면 깊숙이까지 초점을 맞추는 <팬 포커스>에 의한 세로 구도의 연출이었으며, 이로부터 이탈리아의 네오레알리스모(Neorealismo)를 실현시킨 현실 묘사의 기초가 이미 싹트고 있었다. 마르셀 카르네(Marcel Carne)는 제2차 세계대전 중 나치스 치하의 파리에서 대작인 《인생유전》(Les enfants du Paradis)(1944)를 완성시켰다.
7. 전후 프랑스 영화(Apres-guerre) 제2차 세계대전의 여파로 프랑스의 영화제작 편수는 극도로 줄어들었고, 그 타개책으로 영화원조법이 마련되어 영화의 부흥을 서두르게 되었다. 45년에서 50년대에 걸친 프랑스 영화는 그 밑바닥에 전쟁과 인류의 운명이라는 주제를 내포하고 있었다. 르네 클레망(Rene Clement)의 《철로의 싸움》(La Bataille du Rail)(1945), 《금지된 장난》(Les Jeux Interdits)(1951), 《태양은 가득히》(Plein Soleil)(1959), 마르셀 카르네(Marcel Carne)의 《밤의 문》(Les Portes de la nuit)(1946) 《탄식하는 테레즈》(Therese Raquin)(1953), 앙리 조르지 클루조(Henri-Georges Clouzot)의 《정부 마농》(Manon)(1948) 《공포의 보수》(Le salaire de la peur)(1953), 르네 클레르(Rene Claire)의 《침묵은 금》(Le silence est d'or)(1947) 《악마의 아름다움》(La beaute du diable)(1950), 쥘리엥 뒤비비에(Julien Duvivier)의 《내 젊음의 마리안느》(Marianne de ma jeunesse)(1955), 시인이며 극작가인 장 콕토(Jean Cocteau)의 《미녀와 야수》(La Belle et la Bete)(1945) 등이 이 시기를 통하여 만들어진 주요 작품들이다. 8. 카메라 만년필(camera-stylo) 또한, 알렉상드르 아스트뤼크(Alexandre Astruc)는 1948년 '카메라 만년필'(camera-stylo)론을 발표하고, 카메라는 만년필과 마찬가지로 영상이라는 문자를 사용하여 문장을 엮어나가는 도구이므로, 카메라와 렌즈의 기능으로 모든 현실과 사상을 표현할 수 있다고 주장하였다. 그의 대표작으로 《연애 참회》(Le Rideau cramoisi)(1952) 《여자의 일생》(Une vie)(1958) 등이 있다. 또한 《시골 사제의 일기》(Journal d'un cure de campagne)(1950) 《저항》(1956) 등을 감독한 로베르 브레송(Robert Bresson)도 '영화＝문장(cinema=ecriture)'설을 표명하였는데, 이것이 모두 누벨 바그가 대두하는 실마리였다.
9. 누벨 바그(Nouvelle Vague) 1957∼58년에 20대 또는 30대의 젊은 영화인들이 만든 영화의 누벨 바그(Nouvelle Vague)가 밀어닥쳤다. 루이 말(Luois Malle)의 《사형대의 엘리베이터》(Ascenseur pour l'echafaud)(1957) 《연인들》(Les Amants)(1958), 클로드 샤브롤(Claude Chabrol)의 《종형제》(Les Cousins)(1958), 프랑수아 트뤼포(Francois Truffaut)의 《어른은 알아주지 않는다》(Les 400 coups)(1959), 장 뤽 고다르(Jean-Luc Godard)의 《네 멋대로 해라》(A bout de souffle)(1960), 마르셀 카뮈(Marcel Camus)의 《흑인 오르페》(Orfeu Negro)(1959) 등이 누벨 바그파를 대표하는 작품들로, 현실의 문제의식 촉발, 전통적인 영화문법의 부정 등이 공통점을 이루었다. 누벨 바그의 주류는 평론가 앙드레 바쟁(Andre Bazin)이 주재하는 잡지 《카이에 뒤 시네마》(Cahier du cinema)를 중심으로 활동하던 젊은 비평가 그룹으로서, 이들은 시네마테크(cinematheque, 필름 라이브러리)에 드나들면서 고전적 작품을 통해 영화를 배웠다는 점부터가 이채로웠다. 한편, 누벨 바그의 파문 밖으로부터 등장한 알렝 레네(Alain Resnais)는 《게르니카》(Guernica)(1951) 《밤과 안개》(Nuit et brouillard)(1955) 등의 기록영화를 만들었으나, 그 후 극영화 《24시간의 정사》(히로시마 내 사랑)(Hiroshima, mon amour)(1959)를 연출, 과거·현재를 의식의 시간으로서 전개시켜 의식의 일상성을 거부하였고, 계속하여 《지난 해, 마리엔바드에서》(L'Annee derniere a Marienbad)(1960)를 발표하였다. 누벨 바그의 폭발적인 유행은 수많은 젊은 감독들을 일거에 데뷔시켰지만, 60년대에 접어들자 재능이 모자라는 사람들은 점차 자연 도태되고, 기록영화 수법의 시네마 베리테[cinema verite, 영화진실]도 그 발전형태로서 파악되는 가운데 영화 전체의 새로운 경향으로 주목되었다. 누벨 바그를 계기로 영화 자체가 크게 변모한 오늘날의 프랑스 영화는 시네마 베리테나 레네, 고다르, 트뤼포, 클로르 를루슈 등의 작가 활동으로 요약된다. 당초, 누벨 바그가 문제를 제기한 전통적인 영화작법에서 벗어난 방법은 오늘날의 영화제작 형태를 통해서 보더라도 그 연장선상에 있으며, 내용적으로도 줄거리의 흥미 같은 것보다는 직접 카메라에 의해 현실을 주체적으로 포착한다는 자세에는 변함이 없다. 브리지트 바르도(Brigitte Bardot), 장 가뱅(Jean Gavin)이 간판처럼 되어 있던 영화로부터 '작가의 영화' 또는 '개인의 영화'라는 색채는 점차 더 짙어졌다. 이는 프랑스 영화의 전통인 독립 프로덕션 제도에 의한 제작 시스템과도 깊은 관련이 있으며, 영화제작에서 감독이 차지하는 독자적인 기능이라는 견지에서는 언제나 세계의 첨단에 위치해왔다는 이야기이기도 하다. 고다르는 《사랑과 경멸》(Le Mepris)(1963), 《알파빌》(Alphaville) 《미치광이 피에로》(Pierrot le fou)(1965), 《메이드 인 USA》(Made in USA)(1966), 《중국 여자》(La Chinoise) 《위크엔드》(Week-end)(1967) 등을 계속 발표하고 영상에 관한 개념, 특히 몽타주에 의한 심리주의를 배격하면서 정치적인 제재를 즐겨 다루기 시작하였다. 이후 그는 정치적으로 급격하게 첨예화하여 상업영화와는 완전히 결별하였으며, 혁명적인 전투영화라는 작품들을 촬영하였다. 트뤼포의 《아메리카의 밤》(La Nuit americaine)(1973), 말의 《루시앙의 청춘》(Lacombe Lucien)(1974), 샤브롤의 일련의 스릴러 영화, 레네의 《장미의 스타비스키》(Stavisky) 등으로 각자가 건재함을 과시하였다. 이와 같은 부진 속에서도 영상파로 자처하는 젊은 클로드 를루슈(Claude Lelouche)는 《남과 여》(Un Homme et une Femme)(1966)가 칸영화제에서 그랑프리를 획득하고 흥행에서도 성공을 거두자 그 뒤로도 정열적인 영화제작 활동을 계속하였으며, 배우 알렝 들롱(Alain Delon)은 자신의 절대적인 인기를 배경으로 그의 프로덕션에서 정력적으로 영화활동을 전개하였다. 그 밖에도 장 폴 벨몽도(Jean-Paul Belmondo), 카트린 드뇌브(Catherine Deneuve) 등의 배우의 크나큰 인기가 프랑스의 상업영화를 활성화시켰다. 11. 80년대(Les annees 80) 1980년대에도 개성과 예술이 중요시되는 누벨 바그의 정신이 살아있는 프랑스 영화는 구세대와 신세개 감독들이 섞여 활동하고 있다. 신세대 감독으로는 《불을 찾아서》(La Guerre du feu)(1981)을 만든 장 자크 아노(Jean-Jacques Annaud), 《그랑 블루》(Le Grand Bleu)(1988)을 만든 뤽 베쏭(Luc Besson)이 있고, 《뽕네프의 연인들》(Les amants de Pont-Neuf), 《나쁜 피》(Mauvais sang)(1986) 등을 제작한 레오 카락스(Leos Carax)는 20대 때부터 영화를 제작한 젊은 감독이다. 필립 가렐(Philippe Garrel)의 《비밀의 아이》(L'Enfant secret)(1982), 로멩 구필(Romain Goupil)의 《30세로 죽다》(Mourir a trente ans)(1982) 등 중견 감독 작품이 속출하였으며, 고다르도 《멋대로 도망쳐라》(Sauve qui peut)(1979)로 상업영화에 복귀하였다. 《막차》(Le Dernier Metro)(1980)로 국민의 지지를 얻은 트뤼포 역시 누벨 바그 세대로 그 이외에도 많은 거장을 낳았다. 루이 말은 《굿바이 칠드런》(Au revoir les enfants)(1987)을 제작했다. 이렇듯이 80년대의 프랑스 영화는 차분히 발전하였다. 12. 90년대(Les annees 90) 1990년대 영화 역시 신구세대 영화 감독이 뒤섞여 활동했다. 샤브롤의 《보바리 부인》(Madame Bovary)(1990), 고다르의 《새 물결》(Nouvelle Vague)(1990), 레네의 《흡연-비흡연》(Smoking-No smoking)(1993) 등 거장들이 꾸준히 활동했다. 장 피에르 쥬네(Jean-Pierre Jeunet)와 마르꼬 까로(Marco Caro)의 《델리카트슨》(Delicatessen)(1991)과 《잃어버린 아이들의 도시》(La Cite des enfants perdus)(1995) 등은 관객의 상상력을 뛰어넘는 작품들이며, 레지 바르그니에(Regis Wargnier)의 《인도차이나》(Indochine)은 수준급 대작이며, 폴란드 출신 크리스토프 키에슬로프스키(Kristoff Kieklowsk)의 세가지 색 《블루》(Bleu), 《화이트》(Blanc), 《레드》(Rouge)(1993)은 큰 인기를 끌었다. 마띠외 카소비츠의 《증오》(La Haine)(1995)는 파리 근교의 문제를 다루었다. 오늘날 활동 중인 대중적인 배우로는 《유 콜 잇 러브》(L'Etudiante)(1988)의 소피 마르소(Sophie Marceau), 《세상의 모든 아침》(Tous les matin du monde)(1991), 《시라노》(Cyrano de Bergerac)(1990) 등의 제라르 드빠르디외(Gerard Depardieu), 《레옹》(Leon)(1994), 《그랑 블루》, 《비지터》(Les Visiteurs)(1993) 등의 장 르노(Jean Reno), 《나쁜 피》 등의 드니 라방(Denis Lavant)과 쥘리에드 비노슈(Juliette Binoche) 등이 있다.
13. 오늘의 프랑스 영화(Cinema francais d'aujourd'hui) 현재 프랑스 영화의 상황은 낙관적이지는 않다. 재정적인 문제에 시달리는 프랑스 영화에 대한 블록버스터급 할리우드 영화의 물량공세는 사실 쉽지만은 않다. 50-60년대에 비해 프랑스 영화는 오히려 후퇴했다고 볼 수 있다. 투자 비용은 계속 올라가고 관객수, 제작, 수입은 낮아지고 있기 때문이다. 영화관을 찾는 횟수가 준 데에는 텔레비전의 영향도 크다고 할 수 있다. 한해 약 1500여 편의 영화가 텔레비전을 통해 방영되고 있기 때문이다. 이에 대해 텔레비전 책임자들이 영화 제작자들에게 재정지원을 해주기도 한다. Canal Plus 등의 텔레비전 채널은 그러한 투자를 해주고 있다. 가장 큰 재정 지원은 정부가 하고 있다. 프랑스 정부는 약 3억 프랑 이상을 영화산업에 지원하고 있다. 정부 주도하에 여러 은행들이 협조하여 '시청각 창작 재정 협회'(S.O.F.I.C.A. : Societe de Financement de la Creation Audiovisuelle)을 1985년 설립했다. 또한 정부는 '프랑스 국립 영화 센터'(Centre Nationale de la Cinematographie)를 두고 영화를 영상 산업의 뿌리로서의 기능, 문화 활동과 문화 유산 보존의 기능, 그리고 국제 교류와 렵력 증진의 매개체로서의 기능으로 인식하고 있다. 14. 내일의 프랑스 영화(Cinema francais de demain) 오늘날 다른 나라들과 마찬가지로 프랑스의 영화는 오락이며 예술적 표현인 동시에 산업이 되었다. 따라서, 프랑스 영화는 정부의 큰 관심사 중의 하나가 되었다. 프랑스 영화계도 많은 노력을 기울이고 있다. 영화관을 현대화하고, 새롭게 조성된 현실에 적응하여 다양한 대중의 욕구에 부응하고 있다. 앞으로 프랑스 영화는 컴퓨터 공학과 기술의 발전을 통해 '제7 예술'(le septieme art)의 혁명적 진보에 결정적인 역할을 할 것이다. |